De Terence Blanchard Fuego Cállate en Mis Huesos, basada en un libro de memorias de Charles M. Blow, es la primera ópera de un compositor negro presentada por la Metropolitan Opera en los 138 años de existencia de la institución neoyorquina.

Ken Howard / Met Opera


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De Terence Blanchard Fuego Cállate en Mis Huesos, basada en un libro de memorias de Charles M. Blow, es la primera ópera de un compositor negro presentada por la Metropolitan Opera en los 138 años de existencia de la institución neoyorquina.

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Una y otra vez en Fuego Cállate en Mis Huesos, la nueva ópera magnéticamente poderosa de Terence Blanchard, el foco vuelve al peso tortuoso de una carga llevada solo. Ese peso, que soporta el personaje central de la ópera, proviene de su abuso sexual y emocional cuando era niño, y del dolor y la alienación resultantes de su joven edad adulta. La lucha es singular e interior, pero se desarrolla a gran escala contra un murmullo de comunidad, familia y sociedad.

Esa relación crucial, entre lo individual y lo colectivo, forma una meta-narrativa irresistible para Fuego encerrado en mis huesos que ya ha hecho historia como la primera obra de un compositor negro presentada por The Metropolitan Opera. El público y la compañía disfrutaron juntos de este avance durante un estreno conmovedor y trascendental en The Met el lunes por la noche. Y lo que quizás fue más notable de la actuación fue la confianza clara y tranquila con la que Blanchard y sus colaboradores llevaron el peso de las expectativas.

El Met encargó Fuego en 2019, tras su bien recibido estreno en el Opera Theatre de St. Louis (que también había presentado la primera ópera de Blanchard, Campeón). Pero la pieza no había sido planeada como apertura de temporada, y mucho menos como la primera obra que se presentará después de un largo cierre pandémico. Peter Gelb, gerente general de The Met, ha reconocido que el movimiento Black Lives Matter, que intensificó una conversación sobre la representación el año pasado, informó su decisión de acelerar y priorizar esta pieza para la temporada actual.

Blanchard, de 59 años, puede ser mejor conocido como un trompetista y líder de banda de jazz ganador de varios premios Grammy: su último álbum, Ausencia, fue lanzado hace apenas un mes, pero se ha labrado una carrera no menos distinguida en la música de cine, especialmente a través de una asociación de larga data con Spike Lee. La ópera es un área de actividad reciente para él, pero también la continuación de una influencia musical que remonta a su padre, un devoto cantante aficionado. Y en Fuego, Encontró un tema, un escenario y una región de investigación que podían involucrar completamente su amplia imaginación musical. Él no es la opción obvia para romper la racha de óperas de compositores blancos de 138 años de The Met, pero como demostró la actuación triunfal del lunes, él era el correcto.

Parte de esa rectitud se debe al aire de humildad de Blanchard y la inclinación a verse a sí mismo como parte de un continuo. En una conversación reciente para los miembros de WBGO durante una pausa en los ensayos en The Met, enfatizó la naturaleza comunitaria de esta producción. «Una de las cosas hermosas de esto para mí es que no me pertenece», dijo, refiriéndose no solo a los codirectores James Robinson y Camille A. Brown, sino también a la libretista Kasi Lemmons y al resto de sus creativos. equipo, incluido el elenco totalmente negro. «Y aquí está lo que creo que hace la declaración más poderosa», agregó Blanchard. «Todos se ven a sí mismos en estos personajes. ¿Sabes a qué me refiero? Eso es lo que realmente impulsa o impulsa el trabajo que se está haciendo».

Fuego Cállate en Mis Huesos presenta a Will Liverman (izquierda) como Charles, Angel Blue (centro) como Destiny, Walter Russell III (segundo desde la derecha) como Char’es-Baby y Chris Kenney (a la derecha) como Chester.

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Fuego Cállate en Mis Huesos fue adoptado de unas memorias conmovedoras de Charles M. Blow, que combina una historia difícil de llegar a la mayoría de edad con una narrativa de trauma, una búsqueda de identidad propia y un reconocimiento de los límites y posibilidades de la masculinidad negra. Así que el personaje principal de la ópera es Charles, encarnado con brillante gravedad y carisma por el barítono Will Liverman. Una versión infantil de Charles, conocida como Char’es-Baby, es interpretada por el joven actor y cantante Walter Russell III. Entre los otros maravillosos destacados se encuentran Latonia Moore, que infundió a la madre de Charles, Billie, con una vibrante presencia emocional; y Angel Blue, que asume tres roles fundamentales, incluidas las personificaciones de un par de fuerzas intangibles, Destiny y Loneliness.

La música de Blanchard para Fuego es brillantemente consonante pero lleno de sutiles sorpresas armónicas y tímbricas (junto con destellos estratégicos de disonancia). La composición para cine lo ha condicionado a servir la historia, en el escenario o en la pantalla, sin rastro de vanidad. Y pocos orquestadores en nuestro tiempo tienen una comprensión tan orgánica del crescendo y el pulso, que Blanchard usa en la ópera para amplificar los intereses emocionales, en lugar de la mecánica de la trama. A menudo, un cambio de color acorde ilumina un estado mental, como en el momento tenso del Acto II cuando Soledad se presenta a sí misma como la única compañera firme de Charles, más fiel incluso que la familia.

Sorprendentemente, dado el perfil de Blanchard como artista de jazz, Fuego elude la descripción como una «ópera de jazz». Su lenguaje es declaradamente clásico, con elementos extraídos de los compositores canónicos, como Puccini, que definieron la exposición temprana de Blanchard a la forma de arte. Pero el suave despliegue de la armonía extendida del jazz, a menudo en respiraciones, pasajes fugaces, marca la pieza como moderna, al igual que el trabajo de una sección rítmica ubicada dentro de la orquesta, que en esta producción incluía a Adam Rogers a la guitarra, Matt Brewer al bajo y Jeff «Tain» Watts en la batería.

Trabajando con el evocador libreto de Lemmons, que maneja un equilibrio cambiante entre lo franco y lo poético, Blanchard encuentra pasajes selectos en el texto para agregar un toque vernáculo. «A los cantantes afroamericanos en el mundo de la ópera, cuando vienen a este mundo, se les dice que apaguen su herencia», me dijo. «Bueno, de lo que hablamos en la primera reunión del ensayo, por así decirlo, es que quiero que traigan todo eso de vuelta a esto».

Hay un momento en el Acto I en el que Billie, al describir las tribulaciones de su comunidad rural de Louisiana, canta «They so cansado,«poniendo un marcado sombreado azul en» cansado «. Más tarde, su descarriado marido, Spinner, la seduce con una promesa de atención física, y cuando canta» tu cansado, pies doloridos «, su énfasis en la palabra es un eco preciso, en sentimiento e inflexión. En otra parte de la ópera, Blanchard inserta pinceladas de vocalidad gospel, y no solo durante una pieza tragicómica que presenta un bautismo sureño. «No me rompo, me balanceo», canta Liverman en un momento determinado, llenando la frase con una gran profundidad de sentimiento.

La forma sigue a la función a lo largo de la obra de Blanchard, y en Fuego encuentra resonancia musical en un vínculo acogedor con el mundo natural; en los ritmos del trabajo y la vida familiar; en el farol, charlas de bromas entre hombres y niños, especialmente los cuatro hermanos mayores de Charles. («¿Por qué estoy solo en una casa llena de ruido?», Grita, en una de las muchas líneas de Lemmons que provocan una risa incluso cuando dejan una marca.) La vil transgresión en el corazón de la ópera: el abuso de Charles por un primo mayor, Chester, se presenta en absoluta quietud, con un silencio trémulo que magnifica su horror. Una escena que depende del anhelo posterior de Charles por la comodidad y el afecto («Bésame, ámame, abrázame, mírame») se combina con un tema cadencioso en 5/4 metros, en un modo fluidamente romántico que sonaría como en casa. en una de las bandas sonoras de Blanchard.

La vívida intensidad de toda esta energía en el escenario, incluido el ingenioso diseño de la escenografía de Allen Moyer, un marco móvil que transmite una rusticidad minimalista, fue recibida con exuberante éxtasis en la sala. La inauguración de la temporada en The Met es siempre un asunto reluciente, en la adinerada intersección de la alta cultura y la alta moda. En esta noche, una conspicua concentración de excelencia negra en la audiencia (se podía ver a Jon Batiste dando abrazos en el pasillo en el intermedio, y vi al pianista Jason Moran con su esposa, la mezzosoprano Alicia Hall Moran) ayudó a impartir un sentimiento marcadamente diferente. (Otro factor contribuyente: la máscara universal y el requisito de vacunación que permitía la capacidad total). Lo que podría haber parecido en diferentes circunstancias como una especie de incursión registrada en cambio como un símbolo de llegada: Estamos aquí.

El Met ha declarado su intención de incorporar más óperas de compositores negros en el futuro, comenzando con la innovadora obra de Anthony Davis. X, que se presentará en 2023 con Liverman en el papel principal como Malcolm X. Que estos cambios están tan atrasados ​​se sintió fuera de lugar el lunes; estaban sucediendo, ahora mismo. La seguridad suprema en todos los aspectos de Fuego, incluyendo la especificidad táctil de su historia, agudizó esa sensación en el momento. Todas las demás consideraciones se pasaron a la periferia, donde permanecieron a la vista.

La ópera contiene algunas desviaciones dramáticas notables de las memorias de Blow. En un momento, Billie irrumpe en el concierto de Spinner en una discoteca local, blandiendo un arma, una confrontación que cualquier fanático del jazz conectará con la trágica muerte del trompetista Lee Morgan en Slugs ‘Saloon. (En sus memorias, Blow describe a su padre como un ex músico, no como un trabajador, y aunque el enfrentamiento con el arma ocurrió, no fue en un club sino en casa).

La pieza conjunta de juke, como el servicio de la iglesia gospel y una escena en la planta de procesamiento de pollos donde Billie trabaja duro, aterriza con la fuerza profunda de la autenticidad, como una ventana rara a la vida negra, al menos una versión de ella, en un entorno operístico. . El tercer acto comienza con la estruendosa extravagancia de una rutina de pasos de fraternidad, coreografiada por Brown como un manifiesto de alegría negra irreprimible. Así como valió la pena maravillarse de lo que significó para Beyoncé llevar las tradiciones de las bandas de música de HBCU a las masas de moda en Coachella, fue asombroso presenciar esta sacudida de orgullosa negrura cinética en el escenario de Metropolitan Opera. (Cuando terminó la rutina, el público soltó una cacofonía sostenida de aplausos).

Más que un viaje heroico, la historia en el centro de la ópera de Blanchard es de autodescubrimiento, con una especificidad táctil segura que incluye una rutina de pasos de fraternidad ruidosa que abre el Acto III.

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Más que un viaje heroico, la historia en el centro de la ópera de Blanchard es de autodescubrimiento, con una especificidad táctil segura que incluye una rutina de pasos de fraternidad ruidosa que abre el Acto III.

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Blanchard ha sido amable al reconocer que otros compositores negros merecían hace mucho tiempo la oportunidad que se le ha dado en el escenario más grande de la ópera, y en su esperanza de que él no sea una mera muestra. Pero él y sus colaboradores también aprovecharon la oportunidad, haciendo Fuego una declaración innegable de su presencia asertiva. Y es especialmente poderoso que este trabajo histórico no provenga de una tradición heroica, sino más bien de un viaje de autodescubrimiento y despertar. Charles aprende que no necesita soportar esa carga solo, y que nunca lo hizo realmente.

«Este no es el final», promete, mientras la ópera llega a su conclusión. «Ahora comienza mi vida». Cuando la compañía emergió para una estridente ronda de bises, junto con Blanchard, el director Yannick Nézet-Séguin e incluso un radiante Blow, era imposible no pensar en lo que estaba terminando en ese momento y lo que podría estar comenzando.



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